Una de las consecuencias de tener hijos pequeños en casa es que el Cartoon Network se convierte en un ruido constante. Esto permite verse expuesto a uno que otro programa de televisión que de lo contrario no se habría visto y que sorprenden por su calidad y referencias ñoñas como son la nueva serie de Scooby Doo, Hora de Aventura (favorito de Dellius) y Un Show Más (Regular Show).
Creo que ya había visto de pasada al pajarraco y al mapache que protagonizan Un Show Más, pero no les presté atención hasta ayer, al oír Hangin’ Tough como parte de la banda sonora. Y como si esto fuese poco, luego que finaliza la clásica canción de los NKOTB aparece una cabeza gigante que inmediatamente identifiqué por look y contexto como Billy Mitchell, ¡¡¡Billy fuckin’ Mitchell!!!
Hay que ver Un Show Más, sin lugar a dudas que hay que verlo. Y The King of Kong: A Fistful of Quarterstambién.
Update:
Topless Robot ha publicado una lista con las 11 referencias más nerd de Un Show Más. Billy Mitchell, sin embargo, no se menciona por ninguna parte.
Update 2:
Dellius nos pone sobreaviso del cameo del Rey Helado de Adventure Time en nuestro show favorito. Véalo en 4freaks.
Update 3:
Vean los posters de Pink Floyd en la casa rodante de Músculoso here!
Espectacular listado elaborado por Renato y que por segunda vez nos sorprende con sus ñoñerías. Esta vez hablará de cinco famosos gatos del anime.
Por Renato Navarrete
Cybercat Kurochan
Cybercat Kurochan y Dr. Go
Kurochan es un gato común y corriente, mascota de una pareja de abuelos a quienes protege (de ladrones y otras molestias) y quiere mucho. Pero un día es secuestrado por el malvado Dr. Go, quien lo transforma en un malvado Cyborg programado para ayudar a su creador a dominar el mundo. Sin embargo, el gato robótico se libera del control del Dr. Go al sacarse un ‘chip’ de la oreja y vuelve a la casa de sus amos. Se ve obligado a usar un peluche sin relleno como disfraz, para ocultar su cuerpo metálico y así no alterar a sus ancianos dueños. Desde entonces, esta gato del anime deberá luchar con ejércitos de robots enviados por el Dr. Go, quién intentará destruir a Kurochan y sus amos.
Cybercat Kurochan debutó como un manga publicado en la revista japonesa “Bom Bom”, en agosto de 1997. Debido a su creciente popularidad pasó del manga al anime en 1999, llegando a superar el éxito de la serie Gundam Wing. En Chile, fue trasmitida en el mítico programa ‘El Club de los Tigritos’ de Chilevisión.
Gatos del anime: Samurai Pizza Cat con su armadura de batalla
En español son conocidos con Los Gatos Samurái. Son tres gatos ninja* (Speedy Ceviche, Polly Esther y Guido Anchoa), quienes se dedican a administrar una pizzeria y a hacer repartos a todos los clientes del pueblo donde viven: Pequeño Tokio, un lugar donde lo antiguo se une con lo nuevo (ya que mezcla un ambiente del Japón Feudal pero con elementos futuristas como robots, cyborgs, etc). Pero cuando el crimen amenaza, la pizzeria rápidamente se transforma en el centro de mando donde los gatos se cambian de armadura, buscan sus armas y salen disparados (literalmente) a la caza de los malos.
La popular serie fue producida y emitida en Japón en el año 1990 e importada para el publico occidental por Saban (los mismos que trajeron los Power Rangers) en 1991. Fue emitida en Chile por Megavisión en 1992 y 1993, y luego por el fallecido Fox Kids en 1997 y 1998.
*A pesar de que el título con el que llegó a las pantallas occidentales dice “Samurai Pizza Cat”, el nombre original de la serie es Kyattō Ninden Teyande (キャッ党忍伝てやんでえ), algo así como ”La leyenda de los gatos ninja teyandee” o “La leyenda del sorprendente grupo ninja”
Gatobús
Gatobus, Totoro, Satsuki y la pequeña Mei
Personaje que aparece en el clásico filme ‘Mi vecino Totoro’ del director Hayao Miyazaki (aquí más películas de Hayao Miyazaki), en 1988. El Gatobús o Nekobasu es un espíritu gato que posee forma de autobús. Es el medio de transporte de los totoros y acude al llamado de Ō-Totoro (el Gran Totoro). Posee seis pares de patas, ojos que iluminan todo lo que mira y súper velocidad que le permite desplazarse sin ser visto. Es un curioso personaje que siempre llama la atención de los espectadores por su extraño aspecto y expresión de risa malvada.
Un cachorro gatobús hace aparición en el cortometraje ‘Mei y el gatobús’ donde la pequeña niña que juega con Totoro, cuida y juega ahora con este nuevo amigo. Por ´ñultimo, solo agregar que este es mi gato del anime favorito
Hello Kitty es quizá la m´ças famosa de los gatos del anime. Tanto así que protagoniza tres series de animé diferentes: Hello Kitty es una gatita blanca con forma humana y diseño bastante simple. Fue usada en 1974 para adornar diversos accesorios de niñas en Japón, productos que fueron exportados al mercado de Estados Unidos en 1976. Fue tan popular que rápidamente se comenzó a comercializar ropa, juguetes y todo tipo de productos con su figura, y en 1990 se lanzó una línea para adolescentes y adultos, introduciéndola como una marca retro.
“Hello Kitty’s Furr Tale Theater” (1986) donde se parodia a famosos cuentos de hadas. “Hello Kitty and Friends” (1991), donde Kitty es una pequeña niña viviendo con su padres y su hermana gemela Mimmy. “Hello Kitty’s Paradise” (1993jp/ 2000usa), aventuras de Kitty con su grupo de amigos.
Para cerrar, uno de los gatos del anime más sorprendente y reconocido a nivel mundial: Doraemon. Este felino azul es un gato robot cósmico, proveniente del futuro, que posee un bolsillo mágico de donde saca diversos aparatos e inventos futuristas. Es enviado desde el futuro por el nieto de Nobita, para que lo ayude a ser exitoso ya que es un niño flojo y el menos inteligente de su clase. Por sus errores Nobita está destinado a ser un fracasado en el futuro, y toda su familia y descendencia será pobres. Por eso, es tarea de Doraemon guiar a Nobita a una vida alejada de ese horrible destino utilizando toda clase de interesantes aparatos provenientes del siglo XXII.
La serie de Doraemon fue creada por Fujimoto Hiroshi y Motoo Abiko, y debutó en un manga publicado en 1969. Luego, en 1973 fue emitido el primer episodio del anime. Es tan popular que en Japón nunca ha dejado de trasmitirse en la TV. Incluso ha sido elegido como ‘Embajador’ para la candidatura de Tokio como sede de los Juegos Olímpicos 2020.
Akira es el anime que abre la puerta de la animación japonesa al mundo occidental. Descubre las razones de este inesperado fenómeno de la aldea global
Resumen
Es el año 2019 en Neo-Tokio, una ciudad reconstruida tras sufrir los devastadores efectos de una presunta explosión nuclear que desencadena la tercera guerra mundial. El gobierno ejerce un control represivo sobre la ciudad y experimenta con unos niños que poseen poderes psíquicos, aplicándoles fármacos para potenciarlos.
En este mundo post apocalíptico, Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla de motociclistas llamada “The capsules”, que se enfrentan continuamente contra otra pandilla llamada “The clowns”. En una de estas peleas, Tetsuo sufre un accidente causado por un extraño niño con aspecto de anciano.
A partir de este hecho, la vida de Tetsuo cambia para siempre. El gobierno lo secuestra y descubren que su potencial psíquico es solo comparable al de un sujeto extraordinario reclutado tiempo atrás. Empiezan a experimentar con él y este joven violento y marginado comienza a desarrollar poderes psíquicos, los cuales exacerban sus miedos y frustraciones.
Por otro lado, Kay, Ryu y su jefe Nezu son miembros de la resistencia contra el gobierno, e intentan averiguar qué ocurre en las instalaciones del ejército situadas en la zona cero, lugar donde explotó la bomba nuclear que destruyó la antigua ciudad. En este lugar se encuentran Kiyoko, Takashi y Masaru, niños de extraña apariencia y poseedores de extraordinarios poderes psíquicos, sin olvidar a Akira, quien es el auténtico responsable de la explosión que destruyó Tokio e inició la 3ª guerra.
Producto de los experimentos del gobierno, Tetsuo desarrolla poderes paranormales más allá de todo lo conocido, lo que lo lleva a creerse un dios y a enfrentarse al ejército en busca de este ser extraordinario llamado Akira, ya que se considera su sucesor y superior a él.
Por otro lado Kaneda, líder de su pandilla, se relaciona con Kay, de la cual termina enamorándose y se enfrenta con Tetsuo, de quien fue su protector durante su infancia juntos. Pero pronto la lucha entre los dos amigos troca y Tetsuo debe pelear para controlar el poder que tanto anheló y que ahora lo lleva por el camino de la autodestrucción.
Anime Akira
En conclusión, el anime Akira, basado en el manga homónimo (ambas obras de autoría de Katsuhiro Otomo), es un clásico de la animación japonesa, una película que con su estética cyberpunk conquistó al mundo entero.
Espero que la disfrutes y por supuesto, estás invitado a comentar y compartir esta entrada…
¿Te gustó esta entrada? Entonces suscríbete a nuestra lista de correos. Escríbenos al whatsapp con el título «suscribir», más tu nombre y mail.
Wolverine vs Magneto es a los X-men como Batman vs Guasón es a ciudad Gótica. Un clásico, una batalla épica destinada a repetirse por la eternidad.
El primer enfrentamiento relevante de Wolverine vs Magneto aconteció durante el crossover Fatal Attractions publicado durante 1993 conmemorando los treinta años de los X-Men. X-Men #25 nos trae la clásica escena en que Magneto extráe el adamantium de los huesos de Wolverine tras casi ser eviscerado. Esto hace que un enfurecido Xavier le “borre el cerebro” a Magneto dejándolo en coma (el clon Joseph y Onslaught serán directos resultados de esta acción).
Wolverine tendrá ocasión de vengarse en X-Men #87 (abril, 1999), Alan Davis, Fabian Nicieza, et al. En este número los X-Men intentan detener a Magneto en el ártico. Sin adamantium en los huesos, Logan descarga una y otra vez su furia sobre el Amo del Magnetismo y si no consigue matarlo es debido a las intervenciones de Rogue y Xavier.
En The Uncanny X-Men #368 (mayo, 1999) de Alan davis y Adam Kubert, Wolverine practica una y otra vez en el Danger Room como inflitrarse en Genosha y asesinar a su nuevo monarca. Tan obsesionado está que ni siquiera atiende el funeral de Joseph (el clon de Magneto que durante un buen tiempo se nos hizo creer era él realmente) y luego increpa a Xavier por haberlo puesto a dormir justo cuando iba a cargarse a Mags. La verdadera venganza, sin embargo, no se materializará sino hasta un par de años más tarde en X-Men #113 (junio, 2001), una historia de Scott Lobdell que prometía mucho pero que fue rápidamente resuelta debida a la inminente llegada de Morrison.
Y el golpe de gracia finalmente será cortesía del propio Morrison en New X-Men #150 (febrero, 2004). Magneto, que posaba del mutante chino Xorn, mata a Jean Grey con un pulso electromagnético y es decapitado por Wolverine.
Claro que esta muerte fue absurdamente retconeada luego diciéndose que Xorn realmente era Xorn, inducido a creer que era Magneto por alguna entidad y razones desconocidas y no explicadas hasta el día de hoy. Curioso como Xorn además de verse igual a Magneto tenía sus poderes también. El bueno de Chris Claremont se encargaría de mostrarnos en las páginas de X-Calibur al verdadero Magneto en Genosha, la cual jamás había abandonado.
Quieres ver más peleas de Wolverine vs Magneto o saber más del hombre con esqueleto de adamantium, haz clic aquí.
Arthur C. Clarke es un autor magnífico, un hombre que en 1948 escribió un cuento que lo motivó a crear la novela que inspiró una gran película. Una cadena de eventos de ciencia ficción.
por Tomás Rivera
Resumen
A finales del siglo XX, la humanidad posee una colonia estable en la Luna. Allí descubren un misterioso objeto, sepultado voluntariamente: un enorme monolito que, al ser expuesto a la luz solar, envía una señal en dirección a Saturno. Dos años después, la nave Discovery I, tripulada por cinco hombres y un avanzado ordenador llamado Hal9000, parte siguiendo dicha señal. Pero el exceso de celo de Hal9000 en su misión pone el viaje en peligro. El destino de Dave Bowman, uno de los tripulantes, terminará siendo mucho más trascendente de lo esperado.
Autor
Sir Arthur C. Clarke. Uno de los buques insignia de la Ciencia-Ficción, científico, divulgador, especialista en radares y responsable de la órbita geoestacionaria de los satélites artificiales, gracias a la cual tal vez estés leyendo esta entrada en tu teléfono móvil. Un asteroide y un dinosaurio llevan su nombre. En KindleGarten lo presentamos con su saga Rama.
Año de publicación: 1968
Género literario
Sin duda, a la Ciencia-Ficción dura, por girar toda la trama en torno a un descubrimiento científico de envergadura, y por el peso específico de las cuestiones científico-técnicas en el desarrollo de la obra. Es también una novela de Anticipación, por ubicarse en el futuro, y tiene carácter divulgativo, haciendo accesibles al gran público conceptos teóricos muy complejos.
2001, una Odisea espacial
Escrita por Sir Arthur C. Clarke , quien también realiza el screenplay de la versión cinematográfica de Stanley Kubrick. La película se estrenó poco antes de la publicación de la novela y hablaremos de ella después.
Ambas, novela y cinta, están basadas en un relato escrito por Clarke en 1948: «El centinela» («The Sentinel«), que narra el descubrimiento en la Luna del objeto alienígena, y aventura su papel de mecanismo de alarma para sus creadores, una antigua y avanzada especie extraterrestre, de que la humanidad ha alcanzado el nivel de desarrollo suficiente para viajar a su satélite y descubrir el artefacto.
La trascendencia de «2001, una Odisea espacial» y su calado en la cultura contemporánea son de tal envergadura, que os haría perder el tiempo si me paro a explicarlas, así que vamos directamente a la reseña.
La novela
Se divide en seis partes, con un total de 47 capítulos. Salvo muy contadas excepciones en la quinta parte, en la que Dave Bowman toma la palabra, está relatada en tercera persona por un narrador omnisciente, que tanto transmite los acontecimientos de la trama como hace pequeñas aportaciones de tono divulgativo, pero que logra integrar en la propia historia de modo que no cortan la misma, ni la vuelven árida, al contrario, ayudan a los profanos (como yo) a entenderla mejor y le dan un aire de «aprender divirtiéndose».
Todo comienza hace tres millones de años, con una primera parte protagonizada por un grupo de homínidos (llamados en la traducción monos-humanoides) sin concretar, pero que por antigüedad y descripción pueden ser Australopithecus africanus. Vemos como se encuentran condenados a la extinción, porque no se han adaptado con éxito al medio: carecen de defensas naturales (garras, cuernos o grandes colmillos), su esperanza de vida es muy corta, pasan hambre de manera permanente, son vulnerables a los depredadores (un leopardo se ceba con ellos) y su única fuente de agua es una sucia charca estancada que comparten con los Otros, un grupo rival de su misma especie.
Un día, aparece en su entorno un misterioso monolito traslúcido, una losa plana que emite luces y muestra símbolos, transmitiendo ideas a la mente de estos homínidos. Uno de ellos, Moon-Watcher, toma una piedra y, empleándola como maza, mata a un cerdo. El monolito acaba de concederles la ventaja evolutiva que necesitaban: la inteligencia, el pensamiento abstracto. Mirar un objeto e imaginarle un uso. Fabricar y utilizar herramientas, utensilios, armas. Matan al leopardo y se sitúan en la cúspide de la pirámide alimenticia. Expulsan a los Otros de la charca. Matando animales y comiendo su carne tiene garantizado su sustento, y ya no estarán indefensos nunca más: la carrera del Hombre ha comenzado.
Saltamos al final del siglo XX, con el astrónomo Heywood Floyd viajando a en un vuelo comercial a una estación orbital (anticipando Clarke algo que hoy día es embrionario pero plausible, el turismo espacial) y de ahí a la Luna, donde la sección estadounidense de la colonia internacional ha encontrado, en el cráter Tycho (llamado así, por supuesto, en honor a Tycho Brahe) un monolito enterrado, al que llaman TMA-1; hallazgo que han ocultado a la opinión pública con el mayor secretismo, pues es la primera evidencia que la Humanidad tiene de la existencia de vida extraterrestre inteligente. Al desenterrarlo, y entrar éste en contacto con la luz solar, lanza una potente señal, que alerta a sus creadores de que el ser humano ha logrado el nivel de desarrollo necesario para salir al espacio y alcanzar la Luna. Es decir, que ha evolucionado hacia una forma de vida racional.
Dos años más tarde vemos la misión enviada hacia Saturno, la nave Discovery I, con una tripulación compuesta por Dave Bowman (el actor principal), Frank Poole, otros tres miembros en estado de hibernación, y el ordenador (para los amigos de Iberoamérica, computadora) HAL9000, verdadero responsable del funcionamiento de la nave, pues la serie HAL es la culminación de la ciencia informática humana: un sistema perfecto, infalible, con capacidad no solo de computación, si no también lógica.
El punto clave de la trama de «2001, una Odisea espacial» radica en el hecho de que Bowman y Poole desconocen el verdadero objetivo de la misión, del que solo es depositario HAL9000. De manera que la contradicción a la que es sometido éste, entre la obligación de garantizar el éxito de la misión y el hecho de que los tripulantes conscientes desconozcan su verdadero cometido, le hará entrar en conflicto, concluyendo que los humanos son un obstáculo y un peligro para la expedición.
El final de la novela tiene un tono, redundancias aparte, marcadamente cósmico, con descripciones de fenómenos astronómicos a escala colosal, con Bownan a bordo de una pequeña sonda viajando a velocidades hiperlumínicas a través de alguna especie de agujero de gusano y trasciende de la mera Ciencia-Ficción dura para convertirse en una reflexión metafísica sobre toda la Historia de la Humanidad y su papel en el Cosmos.
Por tanto, Sir Arthur trata en su novela-película toma diferentes temas recurrentes en la Ciencia-Ficción (y en la literatura en general) como las implicaciones de la Inteligencia Artificial y el peligro inherente a que tomen consciencia de sí misma y se revele contra sus creadores (desde Frankestein hasta Terminator o Matrix), el origen y el destino del ser humano, o la existencia de vida inteligente extraterrestre. Incluso se permite una reflexión sobre las personas nacidas ya fuera de la Tierra, una nueva generación de seres humanos no terrestres, que contemplan ésta como un lugar ajeno, remoto, con el que no tienen relación. Una proyección de la era colonial, hombres que nacían lejos de sus raíces y que como los criollos americanos, pronto desearon volar solos, sin injerencias de una potencia colonial con la que no se sentían identificados.
Resulta de gran interés, al menos para mí, que Clarke emplee en todo momento un tono divulgativo, de acercamiento de todas estas cuestiones al lector, sin usar un exceso de tecnicismos y mencionando, de forma sucinta, opiniones y teorías de los expertos sobre, por ejemplo, si en caso de existir vida inteligente en otras estrellas, habría la posibilidad de contactar con ella, debido a las insalvables distancias que nos separan o si la Teoría de la Relatividad es irrefutable y se puede viajar a velocidades superiores a la de la luz.
También nos permite, a los aficionados a estos temas, disfrutar de detalles sobre cómo sería un viaje espacial tan ambicioso como el de la novela, con destino a Japeto, una de las muchas lunas de Saturno, usando la gravedad de Júpiter como «honda» para impulsar la nave, el uso de los motores, las correcciones de trayectoria… vamos, una delicia para aquellos que gusten de los aspectos más duros de la Ciencia-Ficción.
Comentar que el estilo narrativo de Sir Arthur es ameno, sencillo, efectivo, pero permitiéndose también momentos más líricos, como el que tal vez sea el más destacado, cuando Bowman entra en contacto con el destino final de la misión:
«—¡El objeto es hueco… y sigue, y sigue… y… oh, Dios mío… está lleno de estrellas!»
La perspectiva optimista del autor es otro acicate para la novela. Pensar que en el año 2001 estaríamos capacitados para enviar una nave a Saturno, cuando aún estamos hablando del 2020 como fecha para mandar una misión tripulada a Marte, tal vez ahora nos parezca ridículo, pero a mi juicio es importante «soñar», tener ilusión por los logros, confiar en nuestro potencial como especie, y este tipo de obras colaboran a ello en gran medida. Pensemos que está escrita en 1968 y que el Apollo XI no llegaría a la Luna hasta el año siguiente.
La película
Ya dijimos que película y novela se desarrollaron a la vez. «2001: A Space Odyssey», en España «2001: una Odisea del espacio», es, de pleno derecho, una obra maestra del cine y el trabajo más reconocido de su autor, el perfeccionista y maniático Stanley Kubrick. Detallista hasta el extremo, Kubrick era conocido por ejercer un control absoluto sobre todo el proceso creativo de sus películas. Se comenta que llegaba a visitar las salas de cine donde iban a ser emitidas, para probar las butacas.
Siempre se dice que «2001: una Odisea del espacio» es una película muy visual. Este pleonasmo quiere decir que posee largos pasajes donde predomina la imagen, y de hecho no se escucha la primera palabra hasta el minuto 25. Los primeros tres minutos (y los tres primeros tras el intermedio) son a pantalla negra, con música de fondo. El metraje total es de dos horas y media y es cierto que a los primeros pasajes sin palabras hay que sumarle otras escenas de diálogos lacónicos.
Dos factores hacen que la película se fije en la memoria colectiva: la imagen y la música. Los planos panorámicos del espacio, o de África en los pasajes iniciales, son impresionantes. Comentar que el formato original era Cinerama, no Cinemascope. Por otra parte, Kubrick se valió de dos piezas clásicas como acompañamiento: Para la secuencia inicial, «Así habló Zaratrustra», el poema sinfónico de Richard Strauss, que desde entonces ha sido imitado, homenajeado y parodiado hasta la saciedad. El resultado es épico.
Para la secuencia en la que la lanzadera comercial de la Panam (que quebró en 1991, aquí no acertó Clarke 🙂 lleva a Floyd a la estación orbital, Kubrick sincronizó los movimientos de las naves con «El Danuvio azul» de Johan Strauss, de tal manera que éstas parecen bailar y moverse al son del vals.
El diseño de las naves es una delicia para los aficionados a la Ciencia-Ficción, mientras que los efectos fotográficos, obra del propio Kubrick, se ven hoy inocentes y arcaicos (se nota que son fotografías moviéndose sobre un fondo), en especial si vemos la copia restaurada en HD. Pero recordemos que era el año 1968, el CGI era una quimera y aún faltaban nueve años para «Star Wars».
Además del carácter visual y de tener fama de película lenta y pesada, se la ha tratado también de incomprensible, ampulosa, grandilocuente, pretenciosa, manierista, pedante… debo decir que cuesta verla de un tirón, sobre todo si estás en casa y tienes a mano distracciones, pero aún así proporciona momentos de tensión angustiosos, destacando entre ellos las escenas en las que Poole o Bowman están dentro de su traje espacial y escuchamos sólo su respiración. La iluminación rojiza y los planos en la secuencia de la desactivación de HAL9000 le aportan el punto extra.
Adaptación al cómic realizada por Jack Kirby y editado por Marvel Comics
Por lo demás, mucho rigor, nada de sonidos en el espacio y especial atención a las escenas sin gravedad, jugando Kubrick con los planos y las perspectivas para descolocar al espectador, transmitiendo correctamente la realidad de la gravedad cero: nuestras referencias espaciales carecen de validez. Arriba y abajo no significan nada.
Mención aparte merece HAL9000, que se convierte en un personaje inquietante. Omnipresente en forma de múltiples «ojos» repartidos por toda la Discovery, nada escapa a su control. Frío, infalible, perfecto, se permite hasta ser condescendiente con los humanos, sujetos al error. Su voz de perfecto caballero inglés, siempre calmada y siempre contenida, incomoda más que tranquilizar, y es una referencia cultural contemporánea, símbolo de la criatura que se rebela contra su creador.
HAL es el acrónimo de Heuristically Programmed Algorithmic Computer y Clarke negó en repetidas ocasiones la leyenda urbana de que procede de las letras anteriores en el abecedario a las siglas IBM. En la película, todas las computadoras son del gigante de la informática, que por aquel entonces era un monopolio de facto.
HAL9000
Como es habitual, hay diferencias entre película y novela. Algunas pasan casi desapercibidas, como la antigüedad del monolito: tres millones de años en la novela, cuatro en el filme. Otras son más notorias, como el destino de la misión Discovery: Japeto, en Saturno, para el libro; Júpiter, para la cinta. El motivo del comportamiento de HAL9000 y su decisión es diferente. Mientras que en la versión fílmica no se aclara la razón, Clarke sí lo explica con detalle en la novela. También el monolito que otorga la inteligencia a nuestros antepasados en distinto en una y otra.
Para cerra, les cuento que un rumor muy popular dice que la banda Pink Floyd sincronizó su tema «Echoes», del año 1971, con la última parte de la película, «Jupiter and beyond the Infinite». Sin poder afirmar ni desmentir, en Youtube existen vídeos que intentan comprobarlo:
2001: una odisea espacial es una de las primeras películas en usar música clásica como parte de su banda sonora. Espero que la disfruten.
Publicamos una completísima entrada sobre la novela de Arthur C. Clarke y su adaptación al cine, que como cosa curiosa, el mismo Clarke escribió ambas (guión y novela) en paralelo. Así que mientras esperamos la reseña de 2001, recordaremos el soundtrack de esta inmortal obra del séptimo arte.
Es importante destacar que cuando se estrenó la película, el marketing y la promoción multiplataforma era algo inconcebible (basta recordar que aún falta más de una década para que aparezca Star Wars) y por lo mismo, nunca hubo interés en promocionar la novela para que cuando existiera un gran número de fanáticos ñoños, se estrenara la película. Y ni hablar de vender la música como un producto independiente.
Ahora bien, más allá de la publicidad o los lustros transcurridos, 2001: una odisea espacial es un clásico del cine, Clarke uno de los más grandes escritores de ciencia ficción y Kubrick, un director magnífico, y sin embargo, la música fue dejada en el olvido. Esta entrada pretende resarcir en parte dicho error, pues bien vale la pena mencionar que en aquellos años, no solo el marketing era arcaico, sino que nadie imaginó que la música de una película fuera un producto que se pudiera vender. Ahora bien, el soundtrack de 2001 es bastante breve, apenas 20 minutillos, así que agregué una interesante edición musical hecha por algún ñoño fanático de la película y que subió parte de la película, pero sonorizado por Pink Floyd, una mezcla imperdible para todo ñoño amante de la ciencia ficción.
Sé que es un datoÑoño. Sé que no tiene ningún valor saberlo o no, y sé que probablemente nunca encuentre la verdadera respuesta. Pero también sé que no voy a quedar tranquilo hasta descubrirlo, o por lo menos encontrar una respuesta que me satisfaga.
En el origen del problema está Facebook y su archi usado y millones de veces presionado botón: LIKE. De dónde sale esta idea y porque no poner también un botón «no me gusta». Me cuesta imaginar las respuestas, pero inicio mi investigación en la forma o ícono que representa el mentado botón.
Su forma me indica algo que he visto muchas veces, pero iniciaré con el gesto de mover la mano en esta posición (no hablo de masturbarse con el pulgar hacia arriba, por si algún mal pensado quiere subertir mis palabras). Si ves a alguien que hace esto en la carretera, el mensaje es claro: quiere que lo lleves. Y si alguien para, pues es buena onda, cool, simpático, etc. Por lo tanto, me gusta.
Ese es un buen inicio, aunque si lo pienso mejor, cuando uno realiza ese gesto a otra persona, no solo significa «llévame» sino que por sí mismo es un signo buena onda, una representación no verbal del Me Gusta. Por lo tanto, quizá el «hacer dedo» no es más que una forma de decir: «sé que eres buena onda y me gustaría mucho que me llevaras gratis en tu auto». Conclusión: el símbolo de buena onda con el pulgar arriba debe ser anterior a eso.
Ahora recuerdo otra historia, una que ocurre durante la edad media, a principios del S X. Resulta que un campesino le levantaba el dedo al cura de la iglesia local cada vez que este le preguntaba por su familia, en particular sobre su hija. El hombre no se molestaba en hablar con padre, solo le levantada el dedo como lo hace el Me gusta de facebook. El cura entendía con este gesto que la familia estaba bien y que la hija estaba bien, aunque en realidad el campesino quería decir que le gustaría meterle el dedo en el ojo y arrancárselo si volvía a violar a su hija, pero como sabía que si agredía al cura, aunque fuera verbalmente, le costaría varios años de cárcel, solo le indicaba el dedo como un símbolo de silencioso odio (esto también me recuerda a Game of Thrones, cuando la Montaña le saca los ojos a la Víbora Roja, el campeón de Tyrion Lannister). Pero supongo que esto tampoco nos acerca mucho al origen. Parece que tendremos que retrotraernos mucho más en el tiempo… ¡eso es! ¡Ya sé donde empieza!
Recuerdan el Coliseo Romano, esa colosal anfiteatro capaz de acoger a 50.000 espectadores y donde habitualmente se realizaban las peleas de gladiadores. Ya imagino que saben a donde voy con esto, sin embargo, primero recordaremos qué era el coliseo:
El Coliseo es un anfiteatro de la época del Imperio romano, construido en el siglo I y ubicado en el centro de la ciudad de Roma. Originalmente era denominado Anfiteatro Flavio (Amphitheatrum Flavium), en honor a la Dinastía Flavia de emperadores que lo construyó, y pasó a ser llamado Colosseum por una gran estatua ubicada junto a él, el Coloso de Nerón, no conservada actualmente. Por su historia, el Coliseo es uno de los monumentos más famosos de la antigüedad clásica. Fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1980 por la Unesco y como una de Las Nuevas Siete Maravillas del Mundo Moderno, el 7 de julio de 2007.
En la antigüedad poseía un aforo para unos 50 000 espectadores, con ochenta filas de gradas. Los que estaban cerca de la arena eran el Emperador y los senadores, y a medida que se ascendía se situaban los estratos inferiores de la sociedad. En el Coliseo tenían lugar luchas de gladiadores y espectáculos públicos. Se construyó justo al Este del Foro Romano y las obras empezaron entre el 70 d. C. y el 72 d. C., bajo mandato del emperador Vespasiano. El anfiteatro, que era el más grande jamás construido en el Imperio Romano, se completó en el 80 d. C. por el emperador Tito y fue modificado durante el reinado de Domiciano.
Su inauguración duró 100 días, participó todo el pueblo romano y murieron durante la celebración decenas de gladiadores y fieras, que dieron su vida por el placer y el espectáculo del pueblo.
Pues bueno, en las mentadas peleas a muerte entre gladiadores, una vez que un luchador derrotaba a otro, antes de matarlo le pedía la venia al emperador, quien ponía su pulgar en posición horizontal y según la opinión de los asistentes, decidía si el perdedor vivía o moría. Pulgar arriba, muerte, pulgar abajo o puño cerrado, vivía para luchar un día más. Sin embargo, esto es todo lo contrario de un me gusta, porque pulgar arriba significa «me gusta muerto». Feo, feo y sin embargo, tiene sentido, porque aunque la realidad histórica indica que el pulgar arriba es muerte, pues representa la espada desenvainada, la cultura popular se encargó de cambiar la dirección del pulgar. No sé por qué sucedió, pero en las películas de gladiadores uno puede ver claramente como el pulgar arriba representa la salvación y de ahí que nosotros, hijos de la cultura pop, consideremos un buen gesto el pulgar hacia arriba. Esto me parece curioso, más si consideramos la historia del campesino, pero bueno, eso no es relevante, porque dado el contexto histórico y su evolución, el pulgar arriba del coliseo significa vida, buena onda y por consiguiente, me gusta. Y ustedes qué creen, ¿será este el inicio de la larga y orgullosa tradición del pulgar levantado?
Pues bueno, no sé si habré dado con la respuesta correcta, pero sé que en ese tiempo era mucho más importante que te dieran un like, aunque fuera invertido. Por ejemplo, si les gusta esta entrada les agradecería que le pongan un «me gusta» y la compartan con sus amigos, pero si no, bueno… en cambio, si no levantan (bajan) el pulgar a un gladiador, hasta ahí no más llega la historia. Es un asunto de vital importancia, por decirlo así, y visto de ese modo, esa debe ser la razón del porque no existe el botón «NO ME GUSTA».
Los dejo con algunos de los más irracionales y divertidos ME GUSTA que he visto.
Y para el final dejé mi LIKE favorito:
Bueno, parece que develamos el misterio del pulgar levantado. Para la próxima semana investigaré la razón del dedo central levantado.
El inicio de un nuevo año escolar también es el inicio de días más cortos y noches más largas, por eso Pamela comienza a jugar con Gastón a media tarde, como a las cinco, así tiene tres horas antes de que oscurezca y deba entrar a hacer las tareas.
Ella siempre ha creído que el 3 es la mitad del 8, o visto de otro modo, el 8 es un 3 frente a un espejo. Le gusta meditar sobre las razones que justifican las formas de las letras. Por ejemplo, se pregunta por qué la A parece el dibujo de una montaña nevada o por qué la O es igual al cero y la Q es una O a la que le pusieron un palito para que no ruede. También le intrigan las razones de la b, la d, la p y la q, que son la misma letra, solo que puesta patas arriba o vista a través de un espejo. En realidad, son muchas las preguntas que tiene respecto de las letras y cuestionar sus formas la ayuda a reconocer los caracteres con mayor facilidad. Por ejemplo, ahora imagina que una O incandescente se hunde en el horizonte.
Desde su casa puede ver el sol caer sobre el mar. Siempre le ha gustado esa imagen y aunque su madre le explicó que en realidad el sol no se hunde en el agua, ella cree que eso no es del todo cierto, por algo lo ha visto sumergirse en el océano decenas de veces. Sin embargo, eso no le llama tanto la atención como la estela dorada que se extiende hasta fundirse con la arena o el cielo que se engalana con una amalgama de colores rojizos. Esta visión la alegra y la deprime al mismo tiempo, pues además de su magnífica belleza también significa que pronto deberá entrar para hacer sus tareas.
No tiene muchos amigos en el colegio, porque es tímida y comparte poco con sus compañeros. Por eso agradece tanto la amistad de Gastón. Ellos se conocen desde siempre, aunque ella es un año mayor. Por supuesto, él creció mucho más rápido. Mientras ella aprendía a caminar, Gastón ya corría por todos lados, era más fuerte y muchísimo más ágil. Ambos se metían en problemas con frecuencia, pero las consecuencias eran diametralmente opuestas. Cuando ella rompía algo o daba vuelta un vaso con agua, causaba risa y en ocasiones, hasta palabras de elogio, pero si Gastón hacía lo mismo, lo correteaban hasta sacarlo de la casa, y cuando eso ocurría, Pamela salía al patio y lo acompañaba. Desde ese pasado lejano que ellos forjaron una complicidad tan fantástica que cualquiera pensaría que se comunican con telepatía.
Gastón es un labrador de color dorado como la miel o es, simplemente, un labrador color miel. Tiene seis años de edad y ahora rompe más cosas que cuando era cachorro, razón por la cual Sandra, la madre de Pamela, tiene prohibido que entre a la casa. Así que esas horas de la tarde en que Pamela comparte con su perro, son sagradas, es el pequeño espacio que tiene para hablar de todo lo que siente y piensa, y su sicólogo escucha con paciencia y agita su cola como si fuera un ventilador peludo.
El nombre de Gastón no es casualidad o más bien, es causalidad, pues se lo regalaron cuando ella apenas sabía hablar y una de las primeras palabras que aprendió fue “gato”, aunque ella la usaba para referirse al perro, hecho que siempre provocó muchas risas y por eso se acostumbró a llamarlo así. Claro que entre gato y Gastón hay gran distancia, pero no tanto si se piensa que cuando era pequeña, Pamela solía agregar una S al centro de las palabras. Por ejemplo, decía “masmá” o “cosmida”, y como se deduce, en lugar de gato decía “gasto”. El resto de la historia es innecesaria, pues el tiempo y el hábito se encargaron de bautizar a Gasto como Gastón y nadie jamás lo ha cuestionado.
A pesar de que comparten varias horas al día, no es tiempo suficiente para que Pamela le cuente todo, pues en esos momentos suceden tantas cosas en su vida, que ni siquiera ella las comprende bien. Algunos compañeros de curso piensan que es tonta. Ella misma piensa que es tonta o por lo menos, que tiene un problema grave. Su sicólogo ladra molesto, él no está de acuerdo. Claro que la vida está llena de problemas, así siempre ha sido, pero tú no eres tonta. La niña asiente poco convencida, más ahora que sostiene entre sus manos la prueba de su estupidez.
Por más que lo intentó, no pudo hacerlo mejor. Estudió mucho para esa prueba y el resultado es irrefutable, una hoja prácticamente en blanco y un gran dos de color rojo en la parte superior. Pamela quiere desaparecer, olvidar el colegio, las notas, las clases, los libros y la ortografía y la redacción y la morfología y la sintaxis… quiere olvidarlo todo. Como le gustaría ser otra persona, una guerrera que salve al reino de un malvado dragón o una princesa que tiene una gran aventura, o simplemente vivir en un mundo mágico donde leer y escribir no tuviera ninguna importancia.
Es tanta su angustia que siente el estómago vacío y los ojos rojos. Imagina que las lágrimas que corren por sus mejillas son gotas de lluvia, probablemente las únicas del año, pues allá en el norte grande casi nunca cae agua. El perro también percibe la pena que escurre por su rostro, siente la humedad y el frío, y mientras mueve la cola se acurruca junto a ella.
Gastón olfatea la angustia de Pamela y eso lo contraria y lo preocupa, hasta que de pronto, la solución llega flotando en el aire. Es un hedor maravilloso, que se contrapone y oculta el olor a frustración de Pamela. Es como si ambos aromas estuvieran destinados a ser uno, a sumarse y crear el más radiante de los perfumes. Y como es lógico, Gastón piensa que si Pamela sintiera ese aroma, dejaría su pena de lado y volvería a ser feliz.
Nunca ha sentido algo así. Huele a encierro, sobaco, años y pedos. Hiede a tiempo estancado en una botella. Y le encanta. Se sienta para disfrutar mejor esa nueva sensación. Ladra y mueve la cola, y por primera vez en su vida, Pamela no comprende lo que quiere y es obvio que así sea, pues ni Gastón sabe lo que quiere, así que jamás podría explicarlo. Es una emoción similar a cuando Pamela le rasca la guata, una sensación cálida, como felicidad concentrada, pero eso no lo describe con exactitud, pues también siente otras cosas, como si pudiera compartir dicha felicidad. Entonces él, mucho más perceptivo que analítico, hace lo que siente. Se levanta de un salto y corre hacia donde le indica su nariz, el patio trasero de la casa.
Ella permanece acostada en el breve pasto que hay en el jardín delantero, ahora más apesadumbrada que antes, pues si hace unos minutos el mundo no la comprendía, ahora ni siquiera cuenta con la compañía de su mejor amigo.
Pamela vive en Arica, en una población que crece en la pendiente de un cerro, a cinco kilómetros de la playa y gracias a su elevación natural, ella siempre tendrá una amplia vista del horizonte y el mar. Eso mientras nadie coloque un edificio frente a su casa, algo que puede suceder, pues Pamela escuchó que una compañera les dijo a sus amigos que frente a su casa construyeron un edificio y eso arruinó la vista. Claro que esa niña vive mucho más cerca de la costa, pero tarde o temprano el progreso llega a todos lados, incluso a los cerros, a su casa y a su pequeña alfombra verde, donde ahora disfruta de esa hermosa puesta de sol.
En este y otros pensamientos estaba cuando escuchó los ladridos de Gastón. De inmediato supo que la llamaba o más bien, la invitaba a pasear. Y escucharlo la hizo sentir mejor, pues supo que no estaba sola.
Se dirige a la puerta de entrada porque sabe que él quiere salir, quiere que vayan juntos a pasear, pero Gastón no está ahí. Entonces vuelve a escuchar sus ladridos. No estoy en la puerta, estoy acá atrás, en el patio. Pamela sigue el sonido de su voz hasta el jardín trasero, un lugar que no frecuenta porque está lleno de cosas viejas, muebles rotos y chatarra, todo apilado sin orden y a ella le parece más un basurero que un patio. Incluso, una vez vio tres ratones gigantes, del tamaño de Gastón o quizá más grandes. Está segura de ello, aunque Sandra opina que exagera, que ningún ratón puede ser tan grande. Quizá sea verdad lo que dice su madre, quizá no existan los ratones gigantes, pero esas ratas son lo más monstruoso que ha visto y eso también es verdad.
Gastón la llama con insistencia, le ladra que se apure, que debe ver lo que hizo. En el patio, Pamela sigue los ladridos y haciendo acopio de valor, avanza por un pasillo angosto que se forma entre los fierros oxidados de dos autos a medio desarmar. Al final, donde termina el pasadizo, abajo del maletero, en ese lugar que ella no puede ver, hay algo tenebroso. “Quizá son las ratas gigantes”, piensa la niña, pero Gastón le asegura que no hay nada que temer, que bajo ese auto no hay peligro y para demostrarlo, se acerca a ella y le ladra al auto. De inmediato ahuyenta sus fantasmas y Pamela atraviesa el pasillo. Gastón mueve la cola y la mira con sus hermosos ojos café. Él es su guardián y mientras esté con ella, nada malo le habrá de pasar.
Pamela sigue a Gastón hasta la muralla que marca el límite de su casa. La verdad es que ni siquiera ha sentido curiosidad por averiguar qué hay detrás. Sabe que es una casona grande y vieja, completamente diferente al resto de las casas del barrio, pero ahora sí se pregunta cómo será, porque Gastón hizo un hoyo que cruza por abajo de la pandereta.
Desde el otro lado, Gastón ladra y mueve la cola con vigor. ¡Ven, ven!, siente este hedor tan delicioso, estoy seguro que alguien nos está llamando. Pero Pamela no está dispuesta a cruzar, esa pared es la frontera que la municipalidad y el conservador de bienes raíces determinaron como límite legal entre ambas propiedades y cruzarlo sería muy peligroso. Pero Gastón insiste.
—Ven Gastón, ven para acá. ¡Te lo ordeno!
El perro contesta con tres ladridos y luego pasa por debajo de la muralla, mueve la cola y cruza de vuelta. Entonces se escuchan tres ladridos más, pero estos son más agudos, más urgentes.
Pamela sabe que no debe, pero su curiosidad es demasiada. Si cruza, debe tener cuidado y estar alerta, pues desconoce lo que encontrará cuando atraviese el agujero. Quizá los ratones gigantes la están esperando para emboscarla.
Después de meditar un momento y sopesar los riesgos, respira profundo y hace caso omiso a su agitado corazón. Se agacha hasta arrastrar la guata por el suelo y cruza por debajo de la pared…
Espectacular selección de afiches de Star Wars VII, el despertar de la Fuerza. Todos realizados por fanáticos de la saga espacial más prolífica del cine.
Cada vez es más común descubrir afiches creados por fanáticos que son mejores que los póster cinematográficos oficiales. Por supuesto que a productores y estudios no les importa esto, pues a fin de cuentas, el fanArt creado por ñoños es la mejor publicidad que puede tener la película. Más aún si es gratis.
Pero quizá alguien piense que esto es una exageración, que siempre es mejor el afiche que cuelgan en la entrada de la sala de cine donde exhiben la película. Pues bueno, a esos incrédulos los invito a leer esta entrada y para los que compartan mi opinión, los exhorto a comprobar una vez más que el fanArt está cada vez mejor. Y para eso los dejo con una selección de afiches de Star Wars VII, el despertar de la Fuerza; todos realizados por fanáticos ñoños y son espectaculares.
Afiches de Star Wars VII; El despertar de la Fuerza
fuente: World of odd balls
¿Cómo te quedó el ojo? Pero sería injusto criticar o comparar el afiche oficial con estos, porque ni siquiera sabemos cómo será, sin embargo, si revisamos el trailer oficial de Star Wars VII quizá podamos imaginar algo.
Y al final, después de este bombardeo de imágenes de Star wars VII, el despertar de la Fuerza, apuesto que más de alguien quiere colgar uno de estos afiches en la pared. Pues bueno, puedes hacer eso mismo en este link.
Nos leemos pronto, no sin antes invitarte a comentar y compartir esta entrada.
¿Te gustó esta entrada? Entonces suscríbete a nuestra lista de correos. Escríbenos al whatsapp con el título «suscribir», más tu nombre y mail.
Este es un humilde homenaje a un clásico de la literatura chilena de ciencia ficción: Los Altísimos, de Hugo Correa.
por Tomás Rivera
Cuando pensamos en «literatura iberoamericana», se nos viene a la cabeza géneros como el costumbrismo, el realismo mágico, la novela romántica, histórica o bélica -¡Viva la Revolución!- y sus autores: los miembros del boom sudamericano (Gabo, Vargas Llosa, Isabel Allende…), sus predecesores (Juan Rulfo, Rómulo Gallegos…) y sus muchos herederos (María Amparo Escandón, Laura Esquivel…). Pero entonces, los hispanohablantes ¿solo saben contar dramas familiares? Pues claro que no. Su repertorio es mucho mayor y no menos sorprendente. Os invito a que me acompañéis al lejano (desde aquí) y fascinante (desde cualquier parte) Chile, para conocer a todo un precursor de la Ciencia-Ficción iberoamericana.
Título: Los Altísimos.
Autor: Hugo Correa.
Periodista y escritor chileno que se centró en la Ciencia-Ficción, adelantando en sus ideas y planteamientos a vacas sagradas del género como Arthur C. Clarke, Larry Niven o Stanislaw Lem.
Año de publicación: 1959
Resumen
Hernán Varela, un simple operario chileno, se despierta en una clínica sin recordar por qué. Así comienza un periplo cada vez más sorprendente, que parte en Santiago y lo llevará a través de una sociedad colectivista y deshumanizada donde responderá al nombre de «X», hasta vislumbrar los insondables conocimientos científicos de la poderosa raza de Los Altísimos.
Género literario
Es una novela de Ciencia Ficción dura y de Anticipación, con componentes de aventura e intriga. Posee una profunda reflexión filosófica sobre la humanidad, de inspiración platónica, y lo que se podría interpretar como una evidente crítica hacia las sociedades comunistas y su maquinismo.
¿Qué podemos destacar?
Lo original de su idea central, su planteamiento de complejidad creciente, su carácter pionero y su estilo expresivo, que alterna narración en pasado y presente, hacen de esta novela un clásico de la literatura chilena.
Al grano…
Conocí a Hugo Correa y Los Altísimos a través de su compatriota Elwin, autor del blog «El cubil del cíclope», quien me lo recomendó en dos ocasiones, una de ellas en mi entrada «Una muy pequeña guía sobre la Ciencia-Ficción» en el que nos aportaba a una serie de autores de habla hispana, entre ellos el señor Correa. Tuve que esperar un poco para leerlo, pero finalmente lo hice y ahora quiero compartirlo con vosotros, porque es una perfecta muestra de que los géneros literarios no entienden de fronteras ni idiomas, y de que un chileno puede brillar con el mismo fulgor que los más renombrados autores anglosajones.
Tengamos en cuenta, para comenzar, que se publica en 1959, tras revisar y ampliar una primera versión de 1951. Esto lo convierte en un pionero (es coetáneo, por ejemplo, del mismísimo Isaac Asimov) y nos mostrará una notoria capacidad para la Anticipación, y concebir historias y escenarios a gran escala.
La mejor forma de definir la estructura de «Los Altísimos» es decir que está escrita en capas. Es como una muñeca matroska, como una cebolla o como un ogro. Comenzamos por la capa más baja y a medida que la trama avanza, las implicaciones de la misma son cada vez mayores, de una escala local los acontecimientos concluyen en una escala intergaláctica, universal, con un alcance cada vez más amplio, complejo y ambicioso.
Los Altísimos comienza cuando Hernán Varela, operario en una empresa llamada Acomsa, tras ser ascendido a un cargo directivo por mediación de un misterioso empresario brasileño llamado Fernando Mendes, se despierta en una clínica sin saber como llegó a ella. Se le informa que está en la Clínica Polaca de Santiago de Chile. Tras confundirle continuamente sobre los motivos y el tiempo que lleva allí, se le dice que está en Polonia, para finalmente revelarle que en realidad está bajo tierra, en unas colosales instalaciones secretas. A partir de ahí (no os revelo más) las dimensiones de la nueva realidad de Hernán, ahora llamado «X», no cesarán de aumentar, ampliarse y sorprendernos. «X» sólo sabrá que Fernando Mendes es, en verdad, el anterior «X», y que él debe, en lo sucesivo, ocupar su lugar para encubrir la incompetencia de los encargados de encontrar a «X» y llevarlo de vuelta al lugar en el cual se encuentra él ahora.
Cuando comencé la novela, la ciencia ficción tarda en llegar y pensé que estaba ante una novela de intriga y espionaje, con lo que quise interpretar como una crítica al oscurantismo y la deshumanización de los regímenes comunistas, con el habitual argumento kafkiano del hombre que es secuestrado y se mantiene aislado e incomunicado para ir revelándole poco a poco la información de los motivos de su retención. Debo decir que me precipité, y es necesario dejar que la novela transcurra para ir desvelando las citadas «capas» y ver como crece en ambición y alcance. Mi consejo es que le deis tiempo porque todo va encajando y, una vez la ciencia ficción irrumpe, es a lo grande.
Sin desvelar demasiado de la trama, decir que la descripción del mundo en que transcurre la acción es magistral y Hugo Correa crea todo un planeta dentro de otro, jugando con la hipótesis de una tierra hueca que alberga otra en su interior (de ahí la citada filosofía platónica, pues se juega con la idea de que no conocemos realmente el mundo en que vivimos, y que tal vez, sin saberlo, estemos dentro de otro mundo y no en la superficie como pensamos). Pero dijimos que «Los Altísimos» es una novela de Ciencia Ficción dura y esta idea, que haría las delicias de los partidarios de la Tierra hueca, pronto cede paso a otra mucho más interesante y atractiva que debéis descubrir por vosotros mismos, o me cargaría la sorpresa de vuestra posible lectura.
En este mundo, en el que Hernán – «X» deberá vivir, es una perfecta transposición de las sociedades comunistas, donde prima el colectivo sobre el individuo y todas las necesidades materiales están sobradamente cubiertas, pero se han sacrificado los sentimientos, las relaciones amorosas, familiares y de amistad, creando una forma de vida despersonalizada, desapasionada, deshumanizada y al servicio de la productividad. El maquinismo es evidente, y la dependencia de las máquinas y la tecnología es total. La persona no importa, hasta el punto que han desaparecido los nombres y los personajes se llaman simplemente «A.», «D» o «L». El sexo ha perdido su carácter afectivo y es un mero acto físico sin significación. Las personas no necesitan trabajar (sólo hay una serie de Técnicos, con tareas especializadas asignadas) y no existe el dinero ni el ánimo de lucro, pero tampoco hay motivaciones ni incentivos para vivir.
Según los acontecimientos avanzan, iremos conociendo más y más detalles de este particular mundo, llamado Cronn, y de sus habitantes, que responden al nombre de Cronnios y que están supeditados al gobierno y designios de las máquinas, y no son dueños en absoluto de su destino, pues obedecen a la soberanía de Los Altísimos, quienes dan nombre a la novela y de los que tampoco hablaré para no destripar lo más jugoso del libro.
En el aspecto formal, está narrado en primera persona, alternando el tiempo pasado y el presente, y en sus reseñas de GoodReads se observa que esto produce rechazo en muchos lectores, que lo consideran confuso y árido (pese a que luego le otorgan puntuaciones muy altas). A mí me pareció un estilo efectivo y para nada pesado. Muchas veces emplea frases cortas, separadas por puntos, con pocas conjunciones copulativas y muchas descripciones. Tiene un tono lírico, casi poético en ocasiones, poco habitual en la Ciencia Ficción dura, y para mi gusto la forma de narrar le hace ganar enteros [aún recuerdo cuando presenté una redacción en clase de Lengua, hace veinte años, escrita en un estilo parecido, y la profesora me dijo que era pésima, que eso no era una narración, sino una serie de frases sin unión ni relación entre ellas. Menos mal que no le hice caso 🙂 ]
«A la distancia, otra ciudad corre en pos de Ernn. Las ciudades, dentro de los anillos, giran como en un carrusel que da la vuelta al mundo.»
Creo que las descripciones permite que nos hagamos una idea tan clara, tan vívida del mundo que presenta Correa, de su composición en anillos, de sus ciudades unidas por trenes magnéticos, de sus multitudes avanzando en masa por enormes avenidas, de sus diferentes niveles… «Mar adentro. Vuelo horizontal. Rodeado de lánguidas olas, aparece uno de los cráteres. Surge del océano como un caño trunco, con sus paredes externas verticales. Nuestra esfera emboca en él, y nos sumimos en la noche. Sólo los ágiles puntos de los magnetones perforan las tinieblas. Bajamos varios kilómetros. La esfera cambia de rumbo. Avanza en sentido horizontal y al hacer una curva, penetra en un túnel colosal, con un techo combado. Simétricos arcos luminosos lo dividen. Arcos que se achican a lo lejos y que irradian una luz azulina. Una multitud de vehículos de diversos tamaños —algunos enormes— se suceden por el piso de la caverna, que debe ser un gigantesco aeródromo«.
El mundo de Cronn no tiene nada que envidiar, en magnitud y complejidad, al «Mundo Anillo» de Larry Niven (posterior en el tiempo) o a la sociedad de masas alienadas y dividida en castas inamovibles de «Un mundo feliz» de Aldous Huxley. E insisto, es gracias a sus descripciones, que tampoco me parecen tan extensas, que lo podemos imaginar de forma tan nítida, como si lo estuviésemos viendo. Abundan también los diálogos y es a través de ellos que obtenemos las revelaciones sobre Cronn y los cronnios, casi siempre por boca de D, el particular Cicerón de Hernán – X, encargado de introducirlo en su nuevo mundo y sus nuevas obligaciones como Técnico, a las que no puede sustraerse: «¿Qué había sido de aquel Hernán Varela que, a los veintiséis años de edad, se aprestaba a conquistar el mundo? Helo aquí, contemplando un atardecer polaco, preparándose para representar el papel de otro. Sí, señor: Hernán Varela, X. ahora por obra y gracia de X., en la actualidad Hernán Varela por ingenuidad e inexperiencia de Hernán Varela, será un intrépido vigía. ¡Un centinela de la ciencia!«.
Pero no debemos quedarnos en los aspectos técnicos-científicos de la obra, porque tiene una profundidad filosófica muy notable, con la formulación platónica que ya comenté, la recuperación del mito de la caverna (que más tarde nos traerían una vez más obras como «Matrix», «Nivel 13» o «Dark City»), en la que Hernán -X debe ir descubriendo la realidad poco a poco, ganando conciencia y entendimiento de forma progresiva (pero no hay «revelaciones», desvaríos misticistas o metafísicos, que nadie se confunda). No conviene descuidar tampoco la reflexión del autor sobre las sociedades totalitarias y las consecuencias de supeditar la felicidad al crecimiento económico, a la tecnocracia y al maquinismo. La tecnología, para Hugo Correa, no tiene el carácter redentor, de panacea, que vemos en otros autores.
Esta preocupación por las implicaciones sociales y la repercusión en el ser humano del uso indiscriminado de la tecnología y el aspecto «mental» o «interior» de la historia, propios de la rama blanda de la Ciencia-Ficción, en combinación con sus abundantes ingredientes de la vertiente dura, hacen que este «Los Altísimos» sea, y más al considerar la época en que fue publicada, una obra redonda y todo un ejercicio de Anticipación. A mi juicio, es un libro que todo aficionado a la Ciencia-Ficción debería leer tarde (como hice yo) o temprano.
¿Más datos de interés?: Ya dijimos que la primera versión, de 1951, fue revisada y editada en 1959. La segunda edición es de 1973 y se convirtió en una pieza de culto, difícil de encontrar, hasta su reedición en 2010.
Hugo correa no gozó del reconocimiento masivo en su país de origen, pero el aval de, ni más ni menos, el grandísimo Ray Bradbury, que se deshizo en elogios hacia «Los Altísimos», le abrió las puertas del mercado internacional y, además de ver sus obras traducidas y leídas en muchos países, le permitió publicar en revistas como Fantasy and Science Fiction o la española Nueva Dimensión (que, ahora desaparecida, llegó a ser reconocida en su día como la mejor revista europea de Ciencia-Ficción), que le dedicó un número completo.
Buscando un poco por Google, he recopilado unos cuantos enlaces sobre él, tanto entrevistas como obituarios, pues falleció hace poco tiempo:
Y una pequeña joya: Don Francisco Correa, hijo de Don Hugo, entregó este archivo PDF con una entrevista en la publicación «Qué pasa» del año 1973, donde habla del oficio de escritor, de la influencia de Verne, Poe, Lovecraft y Wells, del apoyo de Ray Bradbury, de su monográfico en Nueva Dimensión, de lo mal que cayó «Los Altísimos» entre los comunistas… y expone su visión de la Ciencia-Ficción en un breve artículo. No os la perdáis.
Me gustaría hablar mucho más sobre este libro, porque creo que la reseña no le hace justicia, pero prefiero sacrificar mi texto (y no caer en el temible síndrome del examen que me aquejaba en los primeros tiempos del blog) para que a cambio se conserve el factor sorpresa y, si os animáis a leerlo, os tome desprevenidos y sus capas de cebolla (o de ogro) os puedan asombrar y cautivar como hicieron conmigo.
El estudio fotográfico Aurum Light creó un maravilloso calendario ñoño que no solo impresiona por la belleza de sus protagonistas o la calidad de sus fotografías, sino que sorprende por el oxímoron visual que crean a través de sus imágenes.
Para quienes no lo sepan, oxímoron es una figura literaria que consiste en juntar dos palabras con significados opuestos, pero que unidas tienen sentido y además, enriquecen el significado que quieren denotar. Por esta razón y otras que no vale la pena mencionar, esta figura literaria es de mis favoritas, pues es una clara prueba de que el lenguaje escrito es mucho más que palabras ordenadas para dar sentido a una oración.
Un buen ejemplo de oxímoron es el título de esta entrada: refrescante calor (también lo es «esculturas líquidas»). El calor no puede ser refrescante y sin embargo, en estas imagenes queda demostrado lo contrario. Por otra parte, también demuestra que las figuras literarias no solo se limitan al lenguaje escrito, sino que también pueden extrapolarse a las imágenes, como vemos en este caso o en el típico ejemplo publicitario del uso de la sinécdoque (una parte por el todo), cuando en un aviso gráfico ponen el pedazo del producto que desean destacar, cuando en realidad quieren vender el producto completo.
Pero basta de tanta perorata lingüística y semiótica, y vamos a lo que nos convoca, las fotografías de superheroínas que según reza el titular, son frescas y calientes al mismo tiempo (por lo menos para el género masculino).
Con esto termino esta entrada, no sin antes pedir disculpas a las féminas ñoñas, pero la verdad es que la culpa no es del chancho sino de quien le da el afrecho, porque solo crearon imágenes de mujeres, porque les aseguro que si hubieran puesto superhéroes en la misma situación, también las subiría. Sin embargo, sé que estoy en deuda, así que apenas pueda escribo una entrada solo para ellas.
Ahora solo me queda invitarlos a comentar y compartir esta entrada. Nos leemos…
¿Te gustó esta entrada? Entonces suscríbete a nuestra lista de correos. Escríbenos al whatsapp con el título «suscribir», más tu nombre y mail.
Banksy fue nominado al Oscar por esta obra audiovisual que cruza constantemente la línea entre la ficción y el documental.
Exit through the gift shop
Exit throuh the gift shop es un documental dirigido por Banksy, estrenado el 2010 y dura 86 minutos. En él, el creador realiza una revisión crítica del arte callejero, todo bajo una mirada ácida y descarnada sobre el mercado del arte y los mecanismos de legitimación de la producción artística.
Documental. Director: Banksy. 86 minutos. Año 2010.
Si se trata de un «falso documental» o un registro de la realidad, es algo que cada espectador deberá decidir, pero lo que podemos asegurar es que se trata de una película genial, profunda e inteligente sobre el street art y su creciente comercialización.
Sinopsis
El protagonista del documental es Thierry Guetta, un inmigrante francés radicado en la ciudad de Los Ángeles y que posee una afición extraordinaria por el arte pictórico callejero o grafiti. La película muestra los distintos registros que Guetta realiza a lo largo de la historia. A través de ellos intentará encontrarse con su primo, el artista urbano apodado «Invader», y participará en las distintas obras de los artistas callejeros que admira, como Shepard Fairey o el propio Banksy, director del documental.
El anonimato de Banksy es preservado mediante la presencia de planos oscuros que no muestran su rostro,casi siempre cubierto con una capucha, y la alteración intencional de su voz.
Recepción de la crítica
El documental de Banksy causó gran controversia y entabló un debate acerca de su fiabilidad como obra audiovisual del género documental, ya que algunos críticos discutieron sobre su clasificación, ya que según ellos integraría el género del falso documental (mockumentary en inglés).
Roger Ebert, del Chicago Sun Times, calificó a la película con un 3.5 (sobre 4) y expresó: «la especulación generalizada de que Exit Through the Gift Shop es un engaño, solo añade fascinación al mismo». Owen Glebeirman, de Entertainment Weekly expresó: «es una sala de espejos extraordinaria, que mira que es lo que sucede cuando la fama artística global se convierte en anónima, los artistas en objetos y los fanáticos en artistas». Mientras, Shawn Levy, de Portland Oregonian, opinó que la cinta es «enigmática, desafiante y sorprendente».
Dato duro: el documental de Banksy posee un 96% de aceptación en el sitio Rotten Tomatoes basado en 104 comentarios, mientras que en Metacritic su aprobación llega al 85%, sobre 30 comentarios.
Reconocimientos
Premios Oscar. Año 2011. Mejor película documental. Candidata.
Premios BAFTA. Año 2011. Mejor director, guionista o productor británico novel: Banksy. Candidato.
Independent Spirit Awards. Año 2011. Mejor película documental. Ganadora.
En lo personal, creo que es una gran obra documental y aunque posee una buena cuota de ficción, lo que importa es que nos haga reflexionar respecto del arte, el mercado del arte y la calidad del mismo. Por suerte, la mayor parte del arte ñoño es por definición MUY comercial y popular, así que esta discusión no nos afecta demasiado, sin embargo algo hay, porque a fin de cuentas no toda obra de arte ñoño tiene la misma calidad ni belleza estética.
¿Y tú, qué piensas? Te invito a comentar tus ideas y reflexiones al respecto, y por supuesto, a compartir esta entrada.
¿Te gustó esta entrada? Entonces suscríbete a nuestra lista de correos. Escríbenos al whatsapp con el título «suscribir», más tu nombre y mail.
Antes de adentrarnos en el encuentro que da título a estas líneas debo hablarles de un sujeto llamado Julius Schwartz, editor emérito de la DC considerado hasta el día de hoy cómo uno de los gigantes de la industria del cómic. Pues bien, una de las especialidades de Schwartz consistía en la elaboración de portadas que describieran a los personajes en situaciones tan inusuales que fuera imposible para el lector no adquirir un ejemplar. Para esto Schwartz solía pedirle a uno de sus artistas estables –generalmente Murphy Anderson– la misión de dibujar una portada que fuera un reto para los potenciales compradores, tanto en el plano visual como el mental. Una vez culminada esta tarea, Schwartz asignaba a un escritor para crear una historia en torno a la portada. En el Calabozo del Androide no tenemos idea si este fue el caso para la aventura de Batman que en esta ocasión nos atañe, de cualquier forma el concepto del “Dúo Dinámico” enfrentándose a los Beatles –o por lo menos a una banda casi idéntica a los chicos de Liverpool– es sin duda digno de ser comentado. Al momento en que esta historia, titulada Dead…Till Proven Alive! se publicó la inminente separación de los Beatles ya era vox populi. Durante éste periodo, DC estaba intentando desesperadamente conquistar el “mercado juvenil”, el segmento de lectores de cómics que usualmente prefería el material publicado por Marvel. Aunque es poco probable que Julius Schwartz y su equipo (algo entrados en años) fueran fans de los Beatles es obvio que contaban con que sus versiones del afamado grupo le arrebataran algunos lectores a la casa del trepamuros.
La historia de Dead…Till Proven Alive! o como nos la llamammos, Batman vs The Beatles, se basaba en la teoría de “Paul está muerto”. El rumor que señalaba que Paul McCartney había muerto siendo reemplazado por un doble comenzó a esparcirse en 1969. De acuerdo con el mito, Paul había abandonado los estudios de grabación luego de una pelea con sus compañeros de banda, sufriendo un accidente automovilístico que le costaría la vida. Los Beatles presuntamente mantuvieron en secreto la muerte de Paul reemplazándolo, tras una conveniente cirugía plástica, con un tal William “Billy” Campbell a quien habían conocido en 1962. Pero como suele ocurrir en toda conspiración no faltaron los iluminados que hallaron las pistas para develar tamaño fraude.
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, lanzado en junio de 1967 ofrecía los primeros “indicios” de la muerte de Paul. La famosa portada del álbum, creación del artista pop británico Peter Blake, era una supuesta representación del sitio donde estaba enterrado McCartney. Un bajo hecho de flores con sólo tres cuerdas (el instrumento de Paul indicando su ausencia) y una muñeca con un automóvil de juguete en su falda (supuestamente el modelo que manejaba el Beatle cuando chocó) eran pruebas decidoras según los estudiosos. En la contratapa del disco todos los Beatles, a excepción de Paul, están mirando hacia delante. La no menos famosa portada del álbum Abbey Road traería aún más pistas. En ella podemos ver a los Beatles atravesando la calle por un paso de cebra. John está vestido de blanco y representa al sacerdote, Ringo al portador del ataúd y George al enterrador. Paul, el “cadáver”, va descalzo, con el paso cambiado, los ojos cerrados y un cigarrillo en la mano derecha lo que es muy curioso ya que el McCartney “real” era zurdo. Al fondo aparece una volkswagen con la patente “28IF” ,o sea: “28 si…” Paul habría cumplido 28 años si no hubiese chocado con el volkswagen. Y por si quedaba alguna duda bastaba con tocar al revés esa extraña composición sonora del Álbum Blanco llamada Revolution 9 para oír la lúgubre voz de Lennon diciendo “Yo enterré a Paul”. El situar el accidente en 1966 era un punto importante del mito, ya que ese había sido el año en que los Beatles habían dejado de tocar en vivo transformándose de correctos jovencitos en innovadores hippies. En el otoño europeo de 1969 las tensiones del grupo habían llegado hasta tal extremo que el grupo había dejado prácticamente de existir y fue Paul quien el 10 de abril de 1970 hizo pública la separación de los Beatles. Un accidente menor sufrido por McCartney el 10 de noviembre de 1966 y reporteado por los periódicos ingleses parece ser el punto de germinación del mito de la muerte de Paul. Este mito, como suele ocurrir y confirmando la estructura monomítica planteada por Joseph Campbell, tiene varios antecedentes en la cultura occidental. Algunas historias relativas al legendario rey Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda hablaban de una medio-hermana de la Reina Ginebra que era exactamente igual a ella y que intenta tomar su lugar. Cómo olvidar la historia de Mark Twain El Principe y el Mendigo, una sátira ambientada en la Inglaterra del siglo XVI en la que el mendigo del título cambia de lugares con Edward Tudor, Príncipe de Gales. No olvidemos tampoco al Hombre de la Máscara de Hierro de Alejandro Dumas, hermano gemelo del Rey Luis XIV que se propusieron liberar los Tres Mosqueteros. Pocas ideas, como señala Eduardo Anguita, han obsedido al hombre de forma más incisiva que la del “doble”, desde Aristófanes y su teoría de los “dobleseres o “medioseres” –ya planteado por Homero en el siglo x antes de nuestra era– hasta los surrealsitas y más allá. “La idea del doble –que ha perseguido a Kafka y a Rilke– se abre paso en la conciencia de un poeta tan aparentemente insensible al otro mundo como Guillaume Apollinaire: Un día yo me esperaba a mí mismo / Yo me decía Guillermo / es tiempo que vengas / Para que yo sepa por fin aquel que soy…” (Anguita.)
Pero me estoy desviando del tema. En lo que al cómic de Batman vs The Beatles se refiere, la historia de 16 páginas se inicia en los dormitorios de hombres de la Universidad Hudson, donde el insufrible adolescente Ricardo Tapia (Alias Dick Grayson, el Joven Maravilla) y sus amigotes escuchan por la radio Summer Knights, el nuevo éxito del grupo rock británico sensación, los “Oliver Twists”. El rumor que circulaba en torno al grupo era que uno de sus miembros, Saul Cartwright, había muerto en un accidente de moto hacía un año. Cuando el locutor radial anuncia que los Twists visitarán prontamente Ciudad Gótica (Gotham para los puristas), Ricardo usa sus influencias con su acaudalado tutor, Bruno (Batman) Díaz –quien justo resulta ser uno de los mayores accionistas del sello discográfico de los Twists, Eden Records– y consigue que la banda se aloje en la mansión Díaz. Vistiendo su guardarropa del Sgt. Pepper, la banda – compuesta por Saul, Glennan, Benji y Hal– disfrutan de la hospitalidad de sus anfitriones, ignorantes de que son observados, grabados y analizados por el más grandioso detective del mundo. El Dúo Dinámico pronto descubre que los parámetros de la voz “hablada” de Saul no corresponden a la de su voz “cantada” (algo que nadie descubrió con Milli Vanilli.) A este hallazgo le siguen varios intentos fallidos de grabar la “verdadera” voz de Saul, intentos que incluyen el hacer que los Twists le canten el “Happy Birthday” a Alfred el mayordomo. Posteriormente Batman (que obviamente tenía intervenido los teléfonos) se entera que los Twists han rentado un estudio en Ciudad Gótica para realizar algunas grabaciones esa tarde. Cuando los encapotados arriban al estudio con la esperanza de conseguir un registro de la voz de Saul cantando, son sorprendidos por un cuarteto de pistoleros encapuchados. Sospechando que Saul (o quienquiera que fuera realmente) es el responsable de la emboscada, Batman y Robin confrontan a los Oliver Twists. Repentinamente, Glennan (el equivalente a John Lennon) intenta asesinar al Dúo Dinámico, pero, trabajando en conjunto, Saul y Robin reducen al Twist enloquecido. Finalmente, un lacrimoso Saul revela la verdad tras los rumores:
Saul Cartwright: ¡Yo no soy el doble, sino ellos!
Robin: ¿Qué?
Saul Cartwright: ¡Ya me escucharon! ¡Estos tíos son los falsos! Porque Glennan, Benji… Hal… mis queridos amigos… están todos ¡muertos! ¡Murieron hace un año al estrellarse nuestro jet particular durante un viaje a la India! ¡Sus cuerpos yacen sepultados bajo la nieve en algún inhóspito lugar del Himalaya! Creí que podría mantenerlos con “vida” para sus miles de fans alrededor del mundo reclutando a tres desconocidos dobles para que los reemplazaran. Algunas cirugías plásticas menores y casi un año de ensayos y se volvieron muy buenos, ¡realmente buenos! Pero el mayor truco era prevenir especulaciones acerca de sus muertes por lo que hice correr el rumor de que el muerto era yo, desviando toda la atención hacia mí. Yo solo quería preservar su “imagen”, pero no conté con la avaricia de Chumley, el falso Glennan, que hizo lo imposible para proteger a nuestro fraudulento grupo.
Batman: Considero que montaste esta charada con la mejor de las intenciones, Saul, pero como ocurre con todos los planes deshonestos, te salió el tiro por la culata. Te das cuenta ahora que el mundo debe saber la verdad, si te sinceras con tu público ellos entenderán.
Robin: ¡Cómo lo hacemos nosotros! Además, si estos muchachos son “realmente buenos” cómo dices, ¡tal vez puedas tener un nuevo grupo y un nuevo sonido!
En la siguiente viñeta vemos a Saul liderando el trío The Phoenix, en un concierto en vivo en la Universidad Hudson.
imprime tu polera con la imagen que quieras
Titulo de la historia: Dead…Till Proven Alive! / Batman No. 222
Escritor: Frank Robbins
Dibujante: Irv Novick
Entintador: Dick Giordano
Fecha: Junio, 1970
Editor: National Periodical Publications, Inc. (DC Comics)
Artista de portada: Neal Adams
¿Te gustó esta entrada? Entonces suscríbete a nuestra lista de correos. Escríbenos al whatsapp con el título «suscribir», más tu nombre y mail.
